Arte contemporáneo en Málaga. Nuevas exposiciones
Tras las fases de confinamiento por la pandemia el museo de arte contemporáneo de Málaga ha reabierto sus puertas. Hay dos exposiciones singulares que merecen la pena ser visitadas. A continuación están los enlaces de dos videos que las reflejan bastante bien sin llegar a reemplazar a una visita presencial.
El primer video nos pasea por la obra de Lacomba que más abajo os expongo un resumen del autor (tomado de la página del propio museo)- El segundo enlace es de las obras de Girbent.
https://youtu.be/CZVttFoeEGg
http://www.cacmalaga.eu/images_wordpress/pdf/girbent/Girbent_Sala.mp4
EL CAC MÁLAGA PRESENTA LA EXPOSICIÓN MÁS IMPORTANTE HASTA LA FECHA DE JUAN F. LACOMBA
El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta una visión retrospectiva de la obra del artista sevillano Juan F. Lacomba. La exposición titulada Aquí a lo lejos, comisariada por Fernando Francés, muestra la fascinación del artista desde la mitad de la década de los 90 hasta la actualidad por el paisaje de Doñana y la Marisma. La muestra recorre las tres últimas décadas de su trayectoria artística a través de 175 obras de diferentes lienzos de pequeño y gran formato, incluyendo obras inéditas. Aquí a lo lejos transmite la implicación y la inmersión del artista en el territorio en busca de la belleza y el misterio con el objetivo de convertirse en cómplice del espectador.
Del 29 de mayo al 30 de agosto 2020
El título de la exposición “Aquí a lo lejos” hace referencia a la expresión verbal que solemos emplear para referirnos al horizonte de un paisaje. El artista plasma una contradicción con el aquí – ahora, delante – detrás, aquí y a la vez a lo lejos como un resumen metafórico conceptual de esas contradicciones, una metáfora de la experiencia y de cómo una vivencia o sensación se transcribe en un hecho pictórico. La esencialidad de cómo el artista entiende la pintura.
Considerado como uno de los pintores más destacados del panorama nacional, Lacomba comienza su periplo a finales de los años setenta con sus emblemáticos paisajes para continuar con sus retratos del paisaje urbano de París propios de primeros de los ochenta. A mediados de la década de los noventa, el artista comienza una serie pictórica sobre el paisaje y los elementos que componen el enclave de Doñana y sus marismas, a las que dedica casi exclusivamente la pintura de estas últimas décadas.
Su pintura, influida por el movimiento francés supports-surfaces, evoluciona hacia una pintura donde domina la vertiente abstracta en equilibrio con ciertos elementos que tienden a la figuración, centrada en la representación del paisaje como espacio de la memoria, jugando con la gestualidad de la pintura, las transparencias y formas que tienden a lo orgánico, que ocupan espacios intermedios, o se desligan del fondo del cuadro.
Aquí a lo lejos comprende una selección de las tres últimas décadas de la creación artística de Lacomba, donde el paisaje ocupa un papel fundamental en su obra. La muestra compuesta por casi 180 pinturas, todas óleos sobre lienzo u óleo sobre papel reentelado, componen la exposición más importante hasta la fecha, de las cuales, 70 son obras inéditas realizadas entre 2014 y 2020 que se verán por primera vez en el CAC Málaga.
La mayoría de las obras que componen la exposición presentan un formato vertical característico en las obras del artista de 100 x 70 cm donde el paisaje se convierte en figura, algunas horizontales, propio del formato de paisaje, como los 10 grandes lienzos de 203x 330 cm y 220 x 195 cm, además de otras pinturas de pequeño formato de 38 x 46 cm o 46 x 38 cm, entre otras.
Sus obras de gran formato El Río Nocturno (1994) y Fango y cielo (1994), fruto de un viaje nocturno por el Guadalquivir hasta su desembocadura, suponen un cambio de paradigma e intereses dentro de su producción. Estas pinturas actúan de prólogo y homenaje al río Guadalquivir para centrarse en la diversidad de posibilidades del paisaje de Doñana y la Marisma.
En sus obras abundan los nocturnos, las germinaciones y referencias a pinedas o ambientes acuáticos, pero también a juncias, fauna, emboscamientos, constelaciones, situaciones sublimes, refugios, tocones y troncas, ausencias, horas del día, intuiciones sexuales o emblemas religiosos.
Sus pinturas abstractas en ocasiones con matices figurativos se caracterizan por la gestualidad de la pincelada, la mancha, las capas traslúcidas y el chorreo de pintura, combinado con formas orgánicas, para darnos su particular visión del paisaje natural de Doñana y sus marismas.
Su fascinación por el paisaje y particularmente por este enclave natural queda reflejado en su pintura a través de temas como el desarrollo de la vida del medio ambiente, el cambio de las estaciones y sus huellas en el paisaje entendido como territorio cultural con memoria sin tiempo.
En sus obras puede apreciarse formas orgánicas como ST (2004), procesos de germinación como se aprecia en la obra Germinal (1996), animales que habitan el territorio como en su pintura Yegua preñada (2020), la vegetación autóctona como en la obra Lirios ondas (2010), determinados enclaves esenciales como los pinares en su pieza Pinar (2008) o las lagunas en diferentes estaciones y momentos del día como Laguna germinal (2011).
En su serie Apóstoles (2010) el artista interpreta los troncos de eucaliptos cortados y quemados que el pintor veía diariamente desde su estudio. Esta serie refleja la imagen del hombre-paisaje, producto de la fantasía bizarra del manierismo y el primer barroco y que al mismo tiempo, no deja de recoger la tradición medieval del hombre verde, presente en muchas catedrales, que sí proclama la unión del hombre y la vegetación y que conoce y anuncia los secretos de la naturaleza.
A través de esta exposición, Lacomba se hace más consciente que nunca de su posición en el mundo, recapitula su historia y relata y se retrata en su encuentro e inmersión en la naturaleza.
Juan F. Lacomba (Sevilla, España, 1954) Pintor e historiador del arte, cursó estudios en la Universidad de Sevilla. En Francia obtuvo la beca del Ministerio de Asuntos Exteriores francés para artistas extranjeros y realizó estudios de postgrado en la École Nationale Supériure des Beaux Arts, residiendo algunos años en París. Fue premiado en 1985 con el Premio Luis Cernuda de Pintura y el Focus de Artes Plásticas en 1995.
Entre sus exposiciones individuales destacan Silva Amica, Pinturas de Doñana, Casa Colón, Huelva (2019); Apóstoles, Centro De Arte Moderno y Contemporáneo Daniel Vázquez Díaz (2018-2019), Huelva; Al Raso. Pinturas de la Marisma, Casa de la Provincia, Sevilla (2017 – 2018); Peintures, L’Atelier galerie Les Rats des Champs, París (2011); Acuarelas 1990-2002, Galería Birimbao, Sevilla (2002); Pinturas 82 – 85, Museo de Bellas Artes de Córdoba (1988); Vuelta a la Pintura. Galería Imagen Múltiple, Sevilla (1981). Sus obras forman parte de diversas colecciones de arte como el Patio Herreriano, Valladolid; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Colección Fundación Cajasol, Sevilla; Colección BBVA o Museo Municipal de Jerusalén, Israel, entre otros.
EL CAC MÁLAGA PRESENTA LA EXPOSICIÓN OPUS NIGRUM DE GIRBENT
El CAC Málaga presenta la exposición individual más importante en un museo español del pintor mallorquín Girbent. En Opus nigrum, exposición comisariada por Helena Juncosa, se presentan una decena de pinturas la mayoría de gran formato y algunas inéditas realizadas desde 2014 hasta la actualidad, incluyendo un dibujo al carbón de 9 metros. Sus pinturas recrean una atmósfera cinematográfica, siendo el cine una de sus principales fuentes de inspiración junto a la tradición pictórica occidental. Todas las obras son en blanco y negro con lo que persigue una sensual analogía del fastuoso b/n de algunos de sus films preferidos.
22 de mayo al 23 de agosto 2020
El título de la exposición, Opus nigrum, hace referencia al color negro, a la alquimia y a la conocida obra literaria homónima de la escritora Marguerite Yourcenar, una de sus novelas favoritas, que narra la historia del un médico, filósofo y alquimista del siglo XVI llamado Zenón. Opus nigrum designa en los tratados de alquimia la fase de separación y disolución de la sustancia que era la más difícil de la Gran Obra y también simboliza las pruebas del espíritu en su proceso de liberación.
Opus nigrum es el resultado de la fascinación del artista por dos grandes fábricas de imágenes: la tradición pictórica occidental y el cine. La muestra reúne 10 obras, la mayoría de gran formato y algunas inéditas, óleo sobre tela y carbón sobre papel, todas en blanco y negro.
El guión principal sobre el que profundiza el trabajo de Girbent es una continua reflexión sobre el sentido y las posibilidades de la imagen pintada y el acto de pintar en el siglo XXI, en la época de internet.
Se define como un coleccionista de imágenes que selecciona y extrae de fuentes inagotables como el cine o la tradición pictórica occidental, para posteriormente realizar con ellas, una vez separadas violentamente de su flujo narrativo original, una operación de transfiguración. De este modo, fantasmas procedentes de un mundo bidimensional puramente óptico adquieren un cuerpo, se convierten en singularidades fronterizas, en presencias sensuales en medio de la marea digital.
Girbent es un apropiacionista de patrones y modelos que propone una reconfiguración de imágenes ópticas a través de la pintura dentro de otro contexto donde ilustran otro discurso, concediéndole una vida nueva.
Para el artista una obra no tiene porque ser original en el sentido romántico del término, sino significativa. El tema del original y la copia constituye uno de los asuntos recurrentes en la trayectoria de Girbent. En Opus nigrum propone una revisión del estatus de la copia, apostando por un nuevo paradigma claramente alternativo respecto al imperante durante toda la modernidad. Para el pintor las copias no existen, todo son originales.
En esta muestra apuesta por los materiales más arcaicos y esenciales para la representación como el carbón, que aplicará con los dedos, y la pintura (óleo blanco y negro), con los que pretende transmitir la sensual analogía del imponente blanco y negro de algunos de sus films preferidos.
El cine es el hilo conductor de la exposición y podemos reconocer fotogramas de películas míticas de grandes cineastas como The Grandmaster (2013) de Wong Kar-wai, en las pinturas La conversación I (2017), La conversación II (2017), El rito III (2017) y el monumental El rito (2017), todas ellas realizadas en carbón sobre papel, trasladándonos al alma de la civilización china. The race VII (2020) evoca la película Jules et Jim (1961) del cineasta François Truffaut, donde una chica ataviada de pillo y con el bigote pintado, corre junto a dos hombres por un puente.
El espacio es otro de los temas recurrentes en la obra del artista, en este caso el espacio de un museo. Unos visitantes corriendo por las salas del Museo del Louvre, se aprecian en Fantasmagoría / La irrupción (2015) que nos traslada a un conocido fotograma de la película Bande à part (1964) de Jean-Luc Godard. Esta obra se podría relacionar con el mundo de la comicidad y la acción del slapstick sino fuera por el contrapunto que ofrece el lugar donde ocurre, un museo. El Louvre, con sus obras auténticas colgadas en las paredes, es también el espacio representado en La visitante (2020).
Otro de los grandes temas de Girbent es el tiempo y su subtrama predilecta, la sensualidad del aquí y ahora. El acto de fumar es un recurso que utiliza para describir el paso del tiempo. El cigarrillo encendido que podemos ver en algunas de sus pinturas marcan el inevitable paso del tiempo y nos recuerda nuestra condición mortal, nuestra existencia.. Como en El espacio / El tiempo V (2019), inspirada en À bout de soufflé (1960) de Jean-Luc Godard, en la pintura Interior figura / Los susurros (2014) que evoca Coffee and Cigarettes (2003) de Jim Jarmusch o el políptico Smoke (2016) inspirado la película Fallen Angels (1995) de Wong Kar-wai.
Ficción y realidad, lo verdadero y lo falso, se entremezclan en su discurso artístico de tal manera que a veces no se pueden distinguir. Girbent se desdobla a veces en su propio comentarista, asumiendo el carácter lúdico e impostor de su condición de artista, y acompaña sus obras con cartelas, reseñas y notas informativas que configuran una leyenda en la que se inscribe la pieza pictórica, que pasa a formar parte de una mitología que la desborda, no es infrecuente que algunas de sus obras incluyan su propia crítica.
Girbent (Sóller, Mallorca, 1969). En 1986 se matricula en la Facultad de Bellas Artes en Barcelona. Pronto abandona la universidad y durante un tiempo se deja ver por los ambientes bohemios de la ciudad mediterránea. Durante este periodo se dedica a ver cine, a leer (ensayo, filosofía…) y se apasiona por el mundo del cómic. Empieza a dibujar sus propias historietas. En 1987 se hace con el primer premio del concurso internacional que convoca la editorial Toutain. A partir de entonces comienza a publicar en las mejores revistas: Totem, Comix internacional, Zona 84… La otra gran editorial del momento, Norma Comics le publica varias historietas de corte satírico. Con su segunda portada publicada (Totem nº 50) gana el premio a la mejor portada del año, ex aequo con los míticos Richard Corben y Chichoni. En 1989 viaja a la extinta RDA y consigue matricularse en la célebre Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leizpig, donde conoce a Neo Rauch y coincide con M. Weischer y T. Baumgartel. La caída del muro de Berlín le sorprende en Leizpig. En 1990 exhibe sus primeras pinturas en la exposición colectiva The Wall, en un espacio alternativo de Berlín. Realiza por esta época una breve incursión en el mundo del grafiti. Simultáneamente, continua ilustrando portadas que publica en las mejores revistas del mundo, como El Eternauta en Italia o Metal Hurlant en EE. UU. Un año después abandona Alemania y viaja a México DF, donde explora las posibilidades del vídeo, grabando en los lugares que frecuentaron los Infrarrealistas, como el café “Quito” de la calle Bucarelli (donde le parece percibir todavía el pulular de los espíritus de Roberto Bolaño y Mario Santiago). En México sigue leyendo compulsivamente, pero su interés se ha desplazado del ensayo a la literatura. Paralelamente, crece su interés por el videoarte y el cine experimental. Pasa los años 1992 y 1993 en la península del Yucatán, instalado primero en Mérida y luego en Valladolid. Tras lo que considera su etapa de reflexión mexicana, decide regresar a su Mallorca natal para volcarse en su pintura.
Entre sus exposiciones destacan: Zona Girbent, en la Galería Horrach Moyà, Palma, Mallorca (2020), acabada de inaugurar y planteada como una extensión del taller del artista con vocación de crear proximidad entre obra y público; Hibridacions. Casal Solleric, Palma, Mallorca (2019); Los fantasmas encarnados, Can Prunera Museo Modernista, Sóller, Mallorca (2019); Hybridizations: the ghost of painting, White Box, Pekín, China (2018); Usurpation II, City Art Museum, Nagoya, Japón (2017); Presencias fronterizas, MUAC Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Querétaro, México (2014); Hotel + Los espejos, Galería Horrach Moyà, Palma, Mallorca (2013); Última pintura en las colecciones del DA2 y Fundación Coca-Cola, DA2 Domus Artium 2002, Salamanca, itinerante por las Islas Canarias (2011); Paintings, IHN Gallery, Seúl, Corea del Sur (2007); Original/copia, Galería Horr
Felicitaciones desde Tucumán, Argentina
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